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miércoles, 6 de abril de 2016

Realizan mural en honor a Enrique Nadal


Por Patricia Gomes (texto y fotos)

El pasado miércoles 30 de marzo se pintó un mural, en la Ciudad de Avellaneda, para conmemorar el Día Internacional para la Eliminación de la Discriminación Racial, que tiene lugar el 21 de marzo de cada año.
Dicho día fue establecido por la Organización de las Naciones Unidas en el año 1966 en conmemoración de las víctimas de la masacre de Sharpeville, del 21 de marzo de 1960, en la cual las fuerzas policiales sudafricanas asesinaron a 69 pacíficos manifestantes en contra del apartheid.
El objetivo de la conmemoración de este día es luchar contra las prácticas discriminatorias y racistas, "a fin de eliminar los prejuicios y las creencias erróneas tales como la idea de superioridad de una raza sobre otra que inciten a esas prácticas (…)" (el texto completo de la resolución se puede leer aquí).



En este sentido, la Sociedad de Socorros Mutuos "Unión Caboverdeana" de Dock Sud junto con la Dirección de Diversidad de la Municipalidad de Avellaneda mancomunaron esfuerzos para realizar un mural que recuerda el mencionado Día y ayuda a crear conciencia sobre la necesidad de luchar contra los estereotipos, el racismo y la discriminación. El mural fue pintado por el artista Eduardo Leyes y varias personas de la comunidad caboverdeana y de otras organizaciones de Derechos Humanos se acercaron a colaborar.
En el mural se reproduce una conocida y significativa frase del líder sudafricano Nelson Mandela y se rinde un homenaje a Enrique Nadal, activista afroargentino que combatió el racismo, la discriminación y todas las desigualdades en nuestro país. De hecho, Nadal fue un pionero en la lucha contra el racismo en Argentina, en una época en donde el tema ni siquiera se mencionaba. Asimismo, fue un activista anti-apartheid y desde Buenos Aires luchaba contra este sistema que azotaba a la población negra de Sudáfrica.


Es por este motivo que decidimos homenajear a Enrique Nadal, porque representa esa lucha que la comunidad afro viene dando desde hace décadas. Es un referente indiscutido del movimiento negro de la Argentina y significa un ejemplo para todos/as quienes decidimos dedicar nuestra vida a esta causa.  
Este mural resume lucha y resistencia, reivindicación e identidad, en dos figuras que han dejado su impronta y enseñanza en muchos/as de nosotros/as. Y no podía faltar el Continente Africano que nos viene a decir que nunca debemos olvidar nuestro origen y que debemos mirar más hacía el otro lado del Atlántico, porque allí está la cuna y el futuro de la humanidad.

domingo, 6 de abril de 2014

El arte afro(norte)americano de Kerry James Marshall


"Me siento abrumado por las representaciones de personas blancas cada vez que voy a un museo. Parece estar universalmente aceptado que estas imágenes son los fundamentos del arte en el mundo occidental."  (Kerry James Marshall)




(resultados de búsqueda de sus obras en Google)

miércoles, 19 de febrero de 2014

Cuando El Negro mató a Martín Fierro (2) - versión de Alberto Breccia del cuento de Borges


En la entrada anterior reproduje el cuento "El Fin", de Jorge Luis Borges (del libro Ficciones, 1944). Ahora, la versión dibujada por Alberto Breccia









jueves, 4 de julio de 2013

"Candombe federal, época de Rosas" -según Martín Boneo

"Candombe federal, época de Rosas". Oleo sobre tela. Autor: Martín Boneo (1829-1915). 
Colección Museo Histórico Nacional (Buenos Aires).

Ayer, el Museo Histórico Nacional subió a su muro de facebook esta bella foto del famoso cuadro de Martín Boneo sobre el "candombe federal". 
Muy probablemente no será la reproducción fiel del candombe de la época -que muchos han querido ver en la pintura- pero sí hay elementos que aparecen en testimonios sobre la cultura afroargentina de fines del siglo XIX.  
La reproduzco porque no era fácil conseguir una imagen del cuadro con esta calidad...

lunes, 17 de junio de 2013

La belleza "caucásica" del gaucho (1927)


Hace unos días, el reconocido musicólogo uruguayo Coriún Aharonián hizo circular entre sus contactos esta apreciación que un escritor y funcionario uruguayo hizo en 1927 respecto del fenotipo necesario para representar noblemente al gaucho en un monumento en Montevideo. Transcribo su misiva:

Mario Falcao Espalter (1892-1941) escribe en La Prensa (sección segunda, Buenos Aires, 1-1-1927), bajo el título “El escultor Zorrilla de San Martín”, sobre el monumento montevideano al gaucho:
" [...] Será un monumento espléndido. [...] La vulgaridad del arquetipo del criollismo tradicional había tornado casi imposible su reconquista por el arte plástico, porque el gaucho no ha sido un ser pulcro, capaz de redimirse tan fácilmente de sus impurezas al ser fundido en la fragua que consagrara su efigie. Sin ir más lejos, estaba el problema de etnología artística: ¿sería indio, pardo, mulato, blanco? Y elegido el tipo blanco, ¿se tomaría alguno de esos malhechores de mirar felino y oblicuo que las estampas de la época de Rivera y de Rosas nos han trasmitido con tanta copia de actitudes y facciones fisonómicas? 



José Luis Zorrilla ha embellecido al gaucho, no cabe duda. Para hacerlo entrar en el arte había que posar en su rostro la grandeza moral de la epopeya de la Independencia. Esta cruzada refluye sobre el artesano que la realizó, y de ahí el tipo caucásico indispensable para exaltarlo a la categoría estatuaria. 
Es un tipo representativo, el gaucho, creado en el monumento que elogio. Los países del Sur somos de raza caucásica. El mestizo, como dijo lord Bryce en su libro “Les républiques Sud Américaines” (Londres, 1912), no forma ni siquiera una clase aparte entre nosotros. 
Quédese para las extravagancias del doctor Pedro Figari el imaginar una “sociabilidad” africana con saraos y galeras de felpa motuda, digna de una ópera, pero no de la historia, ni siquiera de la crónica rioplatense... Zorrilla de San Martín ha exaltado al gaucho con arte y con verdad, la verdad esencial que cabe en los téminos augustos de la belleza. [...] " (mi énfasis)

Agradezco a Coriún Aharonián

Sobre el monumento, ver:
Sobre Mario Falcao Espalter:

lunes, 7 de enero de 2013

Rostros africanos en murales porteños..

 Foto: diario Clarín/María Eugenia Cerutti

La presencia -real, simbólica, cultural- de Africa gana creciente espacio y visibilidad en las calles de Buenos Aires y de las principales capitales del interior. A la revisibilización afroargentina se suman la inmigración afroamericana y africana, el desarrollo de sólidos movimientos de percusión y danza de origen afroamericano y africano que trasvasan los lugares privados de práctica para aparecer, con cada vez más nitidez, en el espacio público.
El diario Clarín de hoy da cuenta de una nueva arista de este fenómeno: murales pintados con rostros africanos en varias paredes de nuestra ciudad.

 Foto: Primo Murales

La nota, en:



Foto: Primo Murales

Sobre los artistas, ver:

domingo, 11 de noviembre de 2012

El mural de candombe de Tolosa


Como muchos sabrán, hace unos días hubo una llamada en Tolosa, cerca de La Plata, para inaugurar un bello mural con motivos candomberos en el barrio. Enraizándose cada vez más en nuestras ciudades, el candombe de origen uruguayo adquiere nuevos sentidos, y toma diversas formas en su reterritorialización. Expande, interpela y reinterpreta la memoria negra en el país.

Sigue un texto de Eva Lamborghini, con fotos suyas y de Sebastián Lavandera:

Foto: Sebastián Lavandera

El sábado 27 de octubre se realizó el Segundo Desfile de Llamadas de Candombe de Tolosa, organizado por la comparsa Eribó. Estas Llamadas tuvieron un condimento muy especial porque fueron, al mismo tiempo, el momento para la inauguración, junto a vecinos/as de Tolosa y candomberos/as de distintos lados, del mural que hacía tiempo la comparsa convocante venía preparando, y frente al cual las comparsas que asistieron finalizaron su recorrido. Que el mural esté emplazado en este lugar no es casual, teniendo en cuenta la intensa actividad candombera que hace varios años se desarrolla en La Plata y localidades adyacentes (desde hace ocho años se realizan en Tolosa las Llamadas “Candombe del 25” (de mayo) convocadas por comparsas de La Plata y Ensenada de manera conjunta).

 Foto: Sebastián Lavandera

Unas breves palabras e impresiones sobre el mural.
Situado en las calles 115bis y 530, en el centro histórico de Tolosa, tiene como soporte una extensa pared cedida a la comparsa por una panadería del barrio, también histórica. Si bien tiene un artista-compositor (integrante de la comparsa), el trabajo alrededor del mismo, desde las ideas vectores, a su preparación y realización, fue llevado a cabo colectivamente.

 Foto: Eva Lamborghini

Es de este trabajo conjunto que surgió la idea central: representar la historia del candombe (vale aclarar, del candombe de origen (afro)uruguayo) hasta la actualidad. El mural, imponente por sus dimensiones y calidad estética, brinda al espectador – vecino/a- transeúnte una clara secuencia de las que fueron seleccionadas (construidas) como cinco etapas para representar esta historia.

 Foto: Eva Lamborghini

Cronológicamente, las imágenes están planteadas de la siguiente manera: 1) los barcos negreros y el traslado forzoso de personas esclavizadxs desde África a estas latitudes; 2) el trabajo esclavo en la época colonial. Aunque desconocemos si fue esta la intención, estas dos primeras etapas parecen más “genéricas” en tanto no específicamente rioplatenses (si uno atiende, por ejemplo, a la representación de la economía esclavista de plantación).

  Foto: Eva Lamborghini

Luego, la enorme figura de una madre negra con su bebé se presenta como intersección a los siguientes momentos, que nos acercan cada vez más a nuestra región. Así, en la escena 3) se visualiza, puertas adentro, una sala de nación africana con su reina, rey y cultos mientras que, en la calle, tamborileros afrodescendientes tocan los que conocemos hoy como tambores de candombe, que aparecen, también, templándose en el fuego.

 Foto: Eva Lamborghini

La escena 4) nos remite a familias afrouruguayas en los históricos conventillos de Montevideo, centrales para la historia del candombe montevideano, “cunas” del candombe ya en el siglo XX.  

 Foto: Eva Lamborghini

Y, finalmente, 5) cruzamos el charco y llegamos al presente de la comparsa muralista. Si gran parte del mural denota un tributo a la negritud “Este mural es un relato histórico/cronológico del devenir de la raíz negra en la cuenca del río de La Plata”, versa en el facebook de la comparsa, esta última representación, donde el color de la piel de tamborilero/as y bailarinas no marcan afrodescendencia, refiere a una determinada comparsa de candombe de la localidad platense de Tolosa, Argentina. Así, el mural deja ver ciertas lecturas del pasado y de la “tradición” del candombe, a la vez que deja marcas, en el espacio público, de una historia candombera propia. 

 Foto: Eva Lamborghini

sábado, 13 de octubre de 2012

"La negra y el niño" - Sor Josefa Díaz y Clucellas, 1873

En la entrada anterior hice referencia a este cuadro de Sor Josefa Díaz y Clucellas, que ilustraba un afiche sobre una actividad dedicada a debatir y divulgar la diversidad cultural de Santa Fé.
Aquí, la obra según figura en el sitio online del Museo en que se encuentra:


Gracias, de nuevo, Marilú Ghidoli... 

Fuente de la imagen: http://www.museohistorico-sfe.gov.ar/images/galeria1/500px/e31.html
También: http://www.museohistorico-sfe.gov.ar/galeria1.php#

viernes, 12 de octubre de 2012

Sor Josefa Díaz y Clucellas


Afiche de una actividad que se realiza hoy en Santa Fe. Además del interés que despierta el evento, resulta particularmente relevante porque brinda visibilidad a una producción pictórica poco conocida fuera de la provincia. 
El cuadro fue realizado por una artista pionera en la región, que en 1894 se unió a una orden religiosa y por lo tanto hoy es conocida como Sor Josefa Díaz y Clucellas (1852-1917). El Museo Municipal de Artes Visuales de la ciudad lleva su nombre.
Me dice Marilú Ghidoli que en los libros especializados el cuadro suele llevar el título de "La Negra y el niño", y que se lo puede ver en el  Museo Histórico Provincial de Santa Fe. Data de  1873. Varios de sus cuadros más conocidos están dedicados, como podría esperarse, a temas religiosos, aunque buena parte de su obra se perdió, o está pero no se puede identificar porque ella no siempre los firmaba. En 1997 su casa fue declarada Monumento Histórico Provincial, y en el 2009 expropiada para instalar el Museo de la Inmigración y un espacio en  recuerdo de la artista.

Mi agradecimiento -es obvio- a Marilú Ghidoli

Museo Histórico Provincial de Santa Fehttp://www.museohistorico-sfe.gov.ar/acervo.php

lunes, 17 de septiembre de 2012

El (ignorado) mural de Carybé en la calle Florida....

Resulta que había un mural hecho por Carybé en una galería de la calle Florida. 
¿Para cuándo más libros y estudios sobre su vasta y significativa obra?


Paredes decoradas. Son las de la galería Boston, de Florida al 100. La obra plantea un recorrido desde la Patagonia hasta el Amazonas. Texto Clarín y foto:  Emiliana Miguelez

Diario Clarín, lunes 17 de septiembre de 2012.
El mural que une a América latina
Por Eduardo Parise
Perdido en una galería porteña es de Carybé, quien nació en Lanús y fue leyenda en Brasil.

Cada día, a unos metros de la obra, pasan miles de personas. Y si se cuenta las de cada año, se podría decir que son millones. Pero, salvo algún artista inquieto o algún caminador advertido, muy pocos la vieron. Es un gran mural, hecho con baldosones de cemento, que cubre las paredes que están junto a una escalera de la Galería Boston, con entrada en el número 142 de la peatonal Florida. El valor artístico del trabajo se potencia con sólo mencionar el seudónimo de quien firma el trabajo: Carybé.
Su nombre real era Héctor Julio Páride Bernabó. Había nacido el 7 de febrero de 1911 en Lanús, provincia de Buenos Aires. Pero el espíritu aventurero de Enea (su papá italiano) y el amor por la tierra de Constantina (su mamá brasileña) lo fueron llevando a recorrer distintos países, primero del mundo y de América latina después, hasta llegar a Bahía, en Brasil, donde se iba a convertir en una figura de leyenda de la cultura afrobrasileña de las décadas del 50 y el 60. En Brasil también había encontrado el seudónimo que identifica toda su obra: Carybé es la designación que en portugués se le da a una especie de piraña del Amazonas.
Justamente el Amazonas y las imágenes de esta tierra casi virgen que aún sobrevive desde México hasta el Sur, fue la fuente de inspiración para ese mural que Carybé le dejó a los porteños y al resto de la Humanidad. Y aunque no está tratado como debería (un ejemplo brutal es el ventilador que alguien hizo colocar en alguna parte de la obra) allí se refleja un recorrido desde la Patagonia hasta las sabanas que van hasta más allá de Venezuela.
Las imágenes de gauchos, pescadores y artesanos puestas por el artista muestran “el espíritu de la tierra” que el hombre supo mostrar en sus más de 5.000 obras dejadas en el mundo. Entre ellas, se cuentan esos murales que alguna vez estuvieron en el aeropuerto Kennedy de Nueva York y que, tras pasar años en un depósito del Bronx, fueron instalados en el aeropuerto internacional de Miami.
Carybé no sólo fue muralista. También fue grabador, pintor, dibujante y escultor. Y como si eso no fuera suficiente también se destacó como escritor, músico, director de arte en cine y periodista en medios argentinos (entre ellos los diarios Crítica, Noticias Gráficas y La Nación) y brasileños (como el diario Carioca y el Tribuna da Imprensa). Además ilustró cientos de libros de “próceres” literarios como Julio Cortázar, Gabriel García Márquez y de su gran amigo Jorge Amado. Justamente con él, con Dorival Caymmi y con Gilberto Gil, compartió su amor por la capoeira y el Candomblé. Cuentan que Carybé murió el 1 de octubre de 1997 en un terreiro durante una sesión de ese culto. En Brasil, donde se nacionalizó en 1957, lo veneran como uno de sus grandes.
En Buenos Aires recuerdan otro mural que Carybé había pintado en la Galería Belgrano junto con Leopoldo Torres Agüero. Pero dicen que un día el dueño del lugar ordenó pintar las paredes y aquel trabajo se perdió. Pero aún queda el de la Galería Boston donde los marineros, las prostitutas, los pescadores y los capoeristas, es decir la gente común, siguen vivos.

viernes, 13 de julio de 2012

Muestra de artistas afrodescendientes


La muestra estará desde el lunes 16 (apertura) hasta el jueves 19 (acto de cierre).


Agradezco a María Gabriela Perez

sábado, 21 de abril de 2012

¿Torta racista o performance crítica?


Primera versión: Festejo del Día Mundial del Arte, en el Museo Moderna, en Estocolmo. La ministra sueca de cultura, la progresista Lena Adelsohn Roth corta una torta con forma de mujer negra, con una cabeza viva que se queja y lamenta (un actor debajo de la mesa). La torta es alegremente devorada, entre risas por la ocurrencia, por los comensales. Cada vez que alguien la corta, el actor gime. Como se puede apreciar por las fotos, la imagen tenía un enorme vientre, grandes senos y el actor tenía pintada una cara negra con una gran boca roja, a la manera de los minstrels (blancos pintados de negros, que exageraban determinados rasgos para volverlos más grotescos). 



Imágenes colocadas en facebook recorren el mundo (otra vez!) y voces indignadas –muchas de ellas de afroamericanos o afroeuropeos- llaman al hecho racista y denuncian resabios o evidencias de colonialismo. Para peor, la ministra que protagonizó el hecho siempre tuvo una posición progresista respecto de las minorías. La actitud alegre y divertida de cortar y devorar el cuerpo de una mujer negra mostraría el arraigo de determinados estereotipos en las élites europeas diz-que-cultas-y-progres.


Segunda versión: La cara gimiente de la corta, es la del artista afro-sueco Makode Linde, quien tuvo la idea de realizar esta instalación artística como forma de protestar contra (y crear conciencia acerca de) la circuncisión femenina en Africa. No era una torta que pretendía ser graciosa ni denigrante sino una instalación/performance artística con un propósito crítico bien definido y pensado. Makode es un artista visual y DJ que frecuentemente incluye caras negras grotescas (a la manera de los minstrels o las muñecas gollywog que también parodian y exageran rasgos “negros”) como parte de su obra que pretende crear conciencia acerca del racismo. Los medios no coinciden acerca de si la ministra sueca sabía o no del propósito de la torta –supongo que sí, porque justo cortó en la parte que correspondería, digamos, al clítoris y podría haber empezado por otro lado sino. De todas maneras, el espectáculo de la élite blanca europea riendo y comiendo un “cuerpo negro” no deja de ser revulsivo y chocante para muchos.


El periodista Alejandro Agostinelli discute el tema (incluyendo algunas opiniones mías) en:

Notas interesantes (en inglés) al respecto:
En contra de la performance:
(en general, las mujeres negras no parecen aprobarla)…. 

domingo, 4 de marzo de 2012

El mural afroamericano del millón de dólares..

Una prestigiosa universidad norteamericana vende un mural/grabado por 164 dólares.
Resulta que había sido realizado por uno de los primeros escultores afroamericanos de California.
Valor real del grabado: un millón de dólares.
Una buena excusa para conocer la obra de un artista afro(norte)americano poco conocido por estos lares: Sargent Claude Johnson.

1. El grabado/mural de  Sargent Claude Johnson. 1937. 
Huntington Library, Art Collections, and Botanical Gardens

Clarín, 1 de marzo de 2012 - Arte
Un millón de dólares por un mural que costó 164
En 2009 no fue reconocido y se vendió por 164 dólares a un comprador que no sabía de qué se trataba. Ahora fue revendido a un museo californiano.

 2. Sargent Johnson. Mask. 1934. 
De una exposición sobre su obra en el San Francisco Museum of Modern Art (1998).

¿Cuánto vale un mural de uno de los primeros artistas negros de California? En 2009, la Universidad de Berkeley encontró uno, no lo reconoció y lo vendió en 164 dólares. Ahora, la pieza fue revendida en un millón.
El artista es Sargent Claude Johnson. Nació en 1888 y murió en 1967. Fue pintor, ilustrador, escultor y ceramista. Y miembro del Partido Comunista.

3. Mother and child

Johnson pintó el mural, de siete metros de largo, en 1937. Había sido diseñado –con motivos africanos esculpidos en madera– para cubrir los tubos del órgano de la Escuela de California para Sordos y Ciegos. Allí estuvo hasta 1980, cuando la escuela se mudó y la universidad se llevó el mural para protegerlo de las ratas. La siguiente estación fue un depósito, donde lo cubrió el olvido.

4.

Cuando apareció, nadie se dio cuenta de qué era. Lo compró un vendedor de arte y muebles llamado Greg Favors. Según el diario The New York Times, lo hizo porque le pareció atractivo, pero no sabía que tenía entre manos.

5. Forever free. 1933

Tiempo después, mandó la obra a restaurar y buscó en Internet el nombre del artista. Johnson estaba considerado un gran escultor y, en los últimos años, su cotización venía en alza.

6. Sargent Claude Johnson (1888-1967)

La universidad quiso comprarle el mural de vuelta, pero otra institución se había adelantado: el Huntintong Library, Art Collections and Botanical Gardens, un museo y centro de investigaciones californiano. Ellos pagaron un millón de dólares por la obra. En Berkeley hablan de “un error por ignorancia”.

7. Sargent Claude Johnson con una de sus obras

Bellísima cabeza esculpida (llena de copyrights), para ver en:

Fuente de la nota: http://www.revistaenie.clarin.com/arte/millon-dolares-mural-costo_0_655734629.html
Imágenes:
1. http://www.gg-art.com/news/photoshow/73640l1.html
2. http://www.artnet.com/magazine_pre2000/news/robinson/robinson3-10-98.asp
3. https://dbhsharlemrenaissance6.wikispaces.com/Sargent+Claude+Johnson
4. http://todayinafricanamericanhistory.com/african-american-history/october-7th-in-african-american-history-sargent-claude-johnson/
5. https://dbhsharlemrenaissance6.wikispaces.com/Sargent+Claude+Johnson
6. http://todayinafricanamericanhistory.com/african-american-history/october-7th-in-african-american-history-sargent-claude-johnson/
7. https://dbhsharlemrenaissance6.wikispaces.com/Sargent+Claude+Johnson
Biografía de Johnson: http://www.cartage.org.lb/en/themes/Biographies/MainBiographies/J/JohnsonS/Johnson.htm

jueves, 12 de enero de 2012

Exú en la Fundación OSDE


Juan Batalla lo hizo de nuevo. Transformó material de prejuicio en arte, o, quizás mejor, vio el arte donde muchos otros apenas ven al demonio y sus prácticas. Uno de los ítems que más llama la atención en la muestra Barro del Paraíso: Arte Contemporáneo y Religiosidad Popular es la colección de ferramentas de Exú que Batalla sabiamente ubica en tres niveles, con un fondo rojo que añadido al color negro de la mayor parte de los “fierros” brinda una idea de altar minimalista de kimbanda.


Las ferramentas –recordemos, no soy teólogo de religiones afrobrasileras- se usan en los "asentamientos" de los diferentes Exús: especies de macetas o recipientes donde cada uno de estos elementos de hierro representa y resume las características principales de cada espíritu y donde, junto con otros materiales y a través de la acción de determinados rituales, se piensa que reside su energía. A través de estos "asentamientos" se puede invocar la ayuda de cada Exú, con la usual combinación de cantos, toques de tambor y distintas ofrendas materiales que caracterizan a las religiones afro-americanas.



Quizás lo más interesante sea que lo que comenzó como una colección de ferramentas reales –que pertenecían a espíritus específicos y que se podrían utilizar religiosamente- se fue transformando en una forma de arte colaborativo. Algunos pais o mães de santo amigos o conocidos de Juan que vieron la primera exposición comenzaron a regalarle otras ferramentas, en algunos casos ya elaborando sobre las originales, y con la clara intención de crear objetos estéticamente bellos y no necesariamente religiosamente apropiados. Una versión rioplatense de lo que Mestre Didí hizo en Bahía con los xaxarás de Obaluaiê o los ibiris de Nanã.


Claro que no son lo único para ver en la muestra, que termina este sábado a la noche. Están, entre otros impactantes cruces de arte/religión, el altar de San La Muerte realizado por el tallador/sanador/artista Aquiles Coppini; el impresionante tríptico fotográfico con el que Srodek-Hart reproduce el altar del santito en la capilla de Solari, en Corrientes; la recreación estilizada de un altar del Gauchito de Dany Barreto, o la impactante versión animé del mismo santo realizada por Charlie Goz.
En paralelo y al lado, la muestra Las Cosas del Creer, con obras nunca antes reunidas de Gramajo Gutiérrez, también retratando expresiones de devoción popular. Una maravilla.

Fundación OSDE - Suipacha 658, primer piso (y Viamonte).